Reflexiones sobre las películas que vi en 2023

Suzume

Me gustan las películas del director Shinkai. Creo que, especialmente si uno está interesado en el dibujo, las obras de Shinkai merecen la pena verse solo por la animación. Suzume, desde este punto de vista, mostró su aspecto más sólido y preciso. Tanto los colores fotorrealistas eran hermosos como la precisión de la animación era buena. Me pareció realmente magnífico que mostrara movimientos precisos no solo en situaciones normales, sino también en situaciones con gran distorsión de la imagen en ángulos amplios.

Sin embargo, dejando de lado la animación, no creo que sea una película objetivamente buena. En particular, sentí incluso una especie de rareza en el mundo construido artificialmente para mantener la estructura narrativa de la historia de una pareja de protagonistas, y en la narrativa que se desarrolla a partir de ahí. Me pareció claramente extraño que la protagonista, una estudiante de instituto, sintiera inmediatamente afinidad por un hombre con el que simplemente se cruza en el mismo camino, o que varios ayudantes a lo largo de la película mostraran una amabilidad excesiva hacia la protagonista, a quien ven por primera vez. Hasta el punto de pensar que Suzume es una película que se centra más en la popularidad y, a través de ella, en el éxito comercial, que en la calidad de la obra en sí.

Makoto Shinkai es un director que originalmente se centraba en el interior del «yo». Ante el hilo rojo del destino, el destino del mundo o los pequeños detalles eran insignificantes. Ese Makoto Shinkai, desde algún momento, ha estado avanzando en la dirección opuesta, poniendo en primer plano el trauma de toda la sociedad japonesa. — Crítico de cine Song Kyung-won

En particular, Suzume parece hecha con la actitud arrogante de que el público, más que entender la película, la acepte y la siga, y que naturalmente lo hará así. En otra obra del mismo director, 5 Centímetros por Segundo, se aborda en profundidad la historia de tres personajes que intentan superar una amarga distancia; en El Jardín de las Palabras, se trata una historia de amor metaforizada con la poesía del Man’yōshū (萬葉集); pero en Suzume no hay ese nuevo intento, sino que se reciclan palabras clave que tuvieron éxito. Hasta Suzume, veía comentarios de que la “trilogía de desastres” era una “tautología”, y estoy de acuerdo. Creo que el uso continuado de las mismas palabras clave —las dificultades causadas por situaciones de desastre, la voluntad de superarlas, etc.— desde Your Name. y El Tiempo Contigo hasta Suzume, tiene el efecto de cansar al público que espera la siguiente obra.

John Wick 4

Como el director Chad Stahelski dijo en una entrevista que “John Wick 4 es la continuación y la conclusión de las entregas anteriores”, en John Wick 4 aparecen de forma continua los elementos que simbolizan la serie John Wick: las monedas y las bandas de la primera, los trajes antibalas y el sistema de recompensas de la segunda, los ancianos de la Alta Mesa y los perros de caza de la tercera, los ninjas japoneses, etc. Y sin que los elementos choquen entre sí, me gustó que se pudieran ver nuevos intentos, como la acción al estilo del cine de Hong Kong de los 80, propia de la cuarta entrega, o las escenas con armas blancas japonesas como arcos y shurikens.

Y todo ello, sin mover la cámara, insistiendo en los planos largos, se plasmaron con la filosofía de rodaje característica de la serie John Wick, que muestra honesta y sobriamente lo que ocurre en este mundo. Si el talento de los actores fuera inferior, podría resultar incómodo, pero como es bien sabido, Keanu Reeves y otros actores entrenaron y ensayaron personalmente puntería y artes marciales, insistiendo en la dirección. Esa es la razón por la que esta película resulta atractiva.

También recuerdo que los efectos visuales y sonoros de la película son excelentes. Por ejemplo, en la escena en la que John Wick arrebata la escopeta incendiaria a un asesino en París y contraataca, la cámara se eleva gradualmente iluminando a John Wick de forma novedosa en un plano cenital; el director dijo que homenajeó directamente al juego The Hong Kong Massacre, y esta escena, con los movimientos calculados del actor, las llamas que estallan espléndidamente y el profundo sonido de la metralla, crea una escena única y hermosa bajo la noche parisina.

Por otro lado, la narrativa de la cuarta entrega plasma con la mayor intensidad el núcleo de la serie: “el castigo implacable a quien toca lo más preciado”. El Marqués de Gramont, sucesor de Viggo y Santino, es una persona con plenos poderes sobre la organización que acosa a John Wick, pero a diferencia de los villanos anteriores, que destruyeron al perro, el único recuerdo de su esposa fallecida, y la casa con el mismo significado, él, que busca eliminar el concepto mismo de John Wick, es ejecutado de un solo disparo, como Santino.

Hubo comentarios del equipo de producción de que pensaban cerrar John Wick con la cuarta entrega, y la narrativa de la cuarta terminó de forma tan completa que pensé que la serie John Wick también había llegado a su fin, pero recientemente oí la noticia de que se está produciendo una quinta entrega. Es una noticia bienvenida, pero me preocupa que se esté forzando una continuación de una historia que ya terminó bien en la cuarta entrega.

Oppenheimer

Oppenheimer es una película política. No es una obra que influya en la política real, pero contiene en detalle la situación política de la época, incluyendo el concepto primigenio de destrucción mutua asegurada, el inicio de la Guerra Fría y el auge del macartismo. En ese sentido, considero que la metáfora de la “reacción en cadena social”, que se menciona generalmente al hablar de la película Oppenheimer, es muy adecuada, ya que el macartismo, el desarrollo nuclear y la Guerra Fría fueron todos resultados que se expandieron en cadena desde un mismo punto.

Por otro lado, Oppenheimer es también la obra en la que mejor se manifiestan las características autoriales de Christopher Nolan. Como en sus anteriores Interstellar y Dunkerque, mezcla las líneas temporales, pero esta vez además añade cambios en la relación de aspecto y el color para separar las escenas. Aunque la narrativa se vuelve más difícil de entender, gracias a ello se pueden observar de forma compleja las diversas facetas del individuo Oppenheimer: como joven científico, como activista social, como amante, como máximo responsable del desarrollo de armas de destrucción masiva.

Así, la película transmite al individuo Oppenheimer como una persona que cambia, portando el grandioso título de director del proyecto de desarrollo de armas nucleares. Joven científico y amante de una mujer, tras el éxito del Proyecto Manhattan y los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, se convierte por un breve instante en un héroe nacional, pero sintiendo culpa, emprende actividades políticas de desarme y pacifismo antiguerra. Sobre su vida, envuelta en la incómoda tarea de la época, la película cita dos veces, por boca de él, el verso del texto hindú Bhagavad Gītā que él mismo mencionó: “Ahora me he convertido en la Muerte, la destructora de mundos”.

Fue entretenida y me enganché, pero la escena de la audiencia, que dura casi la última hora, fue bastante aburrida. Es una escena que muestra bien el estado psicológico de Oppenheimer, herido por la ofensiva política como individuo, y estoy de acuerdo en que era una escena necesaria como película biográfica del personaje de Oppenheimer, pero había una parte en la que era difícil mantener la tensión debido a los incesantes datos concretos y términos legales.

¿Cómo vives?

Al principio, al ver el título de la siguiente obra de Ghibli, sentí una gran curiosidad sobre qué contendría la obra que el maestro de 82 años había creado tras retractarse de su retiro. Después de verla, aunque el contenido es más desordenado y caótico de lo esperado, una vez terminada la proyección, una cosa que quedó clara es que ¿Cómo vives?, a diferencia de su grandioso título, es una película autobiográfica sobre las propias emociones y sentimientos de Miyazaki. Si la anterior Oppenheimer era una obra que reflejaba con frialdad las alegrías, tristezas y emociones del personaje real Oppenheimer según lo entendía Christopher Nolan, ¿Cómo vives? es una película en la que Hayao Miyazaki inyecta abstractamente su propia vida y las ideas contenidas en ella en el protagonista Mahito.

Por eso, ¿Cómo vives? parece diferir de las obras de Ghibli que conocemos tanto en el contenido como en el tipo de mensaje. A diferencia de La Princesa Mononoke y El Castillo Ambulante, que tratan la crítica al materialismo y el ecologismo, y El Viaje de Chihiro, que contiene el materialismo y la pérdida de identidad, ¿Cómo vives? cuenta una historia más abstracta: la encrucijada de un mundo imperfecto y el desenlace en esa encrucijada.

Al mismo tiempo, se tratan temas que recuerdan a Alicia en el País de las Maravillas y la historia moderna japonesa posterior a la Restauración Meiji, por lo que también requiere algo de conocimiento previo, lo que hace que me parezca la más críptica y poco amigable de las películas de Ghibli. Al ver la película, entendí por qué se dice que es una obra de Ghibli que divide las opiniones.

Pero al repasar y ordenar cada elemento, al final parece que todo se reduce a que cada uno debe encontrar su propio camino. Por ejemplo, el mensaje que aparece durante la película, “quien me imita muere”, junto a los pelícanos y periquitos que no vivieron así, parecía una advertencia de que hay que encontrar y seguir el propio camino, como si fuera el destino de muchas personas que no lo hicieron. Aunque seguramente va dirigido a los creadores de las generaciones futuras, el significado de las palabras se aplica a todos los que ven la película.

“¿Cómo hay que vivir?” Al terminar la proyección, el público, incluido yo mismo, que regresamos a la realidad, salimos de la sala recibiendo esta pregunta, como Mahito que regresa a la realidad dejando atrás el mundo del gran tío que se derrumba.