Réflexions sur les films vus en 2023

Suzume

J’aime les films de Makoto Shinkai. Surtout si l’on s’intéresse au dessin, je pense que ses œuvres valent le coup rien que pour l’animation. Suzume montrait sous cet angle une facture des plus solides et précises. Les couleurs photoréalistes étaient magnifiques, et la finesse de l’animation excellente. Voir des mouvements précis, même dans des situations de grande distorsion d’image sous un angle large, m’a paru vraiment impressionnant.

Mais en dehors de l’animation, ce n’est objectivement pas un bon film. J’ai même ressenti une certaine étrangeté dans le monde artificiellement assemblé pour maintenir la structure narrative du duo protagoniste, et dans le récit qui en découlait. Qu’une lycéenne éprouve immédiatement de l’intérêt pour un garçon qu’elle croise simplement sur le même chemin, ou que plusieurs personnages secondaires soient excessivement gentils avec une héroïne qu’ils voient pour la première fois — tout cela m’a paru clairement étrange. Au point de me dire que Suzume était un film qui mise davantage sur la popularité et la rentabilité commerciale que sur sa qualité propre.

Makoto Shinkai était à l’origine un réalisateur centré sur l’intérieur du « je ». Face au fil rouge du destin, le sort du monde ou les menus détails n’étaient que futilités. Ce même Makoto Shinkai, depuis un certain temps, met en avant les traumatismes de toute la société japonaise et marche sur une voie diamétralement opposée. — Song Kyung-won, critique de cinéma

Suzume semble avoir été fait avec l’attitude hautaine d’attendre du spectateur qu’il accepte et suive le film plutôt qu’il ne le comprenne, et qu’il le fasse naturellement. Dans un autre film du même réalisateur, 5 centimètres par seconde, l’histoire des trois personnages luttant contre une distance amère était traitée en profondeur ; dans Le Jardin des mots, c’était une histoire d’amour métaphorisée par des poèmes du Man’yōshū (萬葉集) ; mais Suzume n’apporte rien de nouveau et recycle les mots-clés qui ont fait le succès précédent. Quand j’ai vu les critiques parler de « trilogie des catastrophes » et de « répétition tautologique » pour Suzume, j’ai été pleinement d’accord. Continuer à utiliser les mêmes mots-clés — les difficultés causées par une situation catastrophique, la volonté de les surmonter — de Your Name. à Les Enfants du temps puis à Suzume, je pense que cela lasse en soi le spectateur qui attend le prochain film.

John Wick 4

Comme le réalisateur Chad Stahelski l’a déclaré dans une interview : « John Wick 4 est la continuité et la conclusion des films précédents. » Dans John Wick 4, on retrouve en continuité les éléments emblématiques de la saga : les pièces d’or et les gangs du premier, le costume pare-balles et le système de primes du deuxième, le Grand Ancien du conseil arabe et les chiens de chasse du troisième, les ninjas japonais, etc. Pourtant, ces éléments n’entrent pas en conflit, et j’ai aimé les nouvelles tentatives comme les scènes d’action dans le style du cinéma hongkongais des années 80, ou l’utilisation d’armes blanches japonaises (arc, shuriken).

Et tout cela, sans bouger la caméra, en insistant sur les longs plans, en filmant honnêtement ce qui se passe dans cet univers, toujours avec la philosophie de tournage sobre et caractéristique de la saga John Wick. Si les acteurs étaient moins talentueux, cela pourrait sembler maladroit, mais comme on le sait, Keanu Reeves et plusieurs autres acteurs ont directement travaillé leur tir et leurs arts martiaux, s’entraînant avec obstination pour cette mise en scène. Voilà pourquoi ce film est séduisant.

Les effets visuels et sonores sont également mémorables. Par exemple, dans la scène où John Wick arrache le fusil à pompe incendiaire d’un tueur à Paris et contre-attaque, la caméra s’élève progressivement pour l’éclairer en vue plongeante — une approche novatrice. Le réalisateur a lui-même déclaré que cette scène rendait hommage au jeu The Hong Kong Massacre : les mouvements calculés de l’acteur, les flammes qui explosent spectaculairement et le bruit lourd des cartouches créent une scène unique et magnifique sous la nuit parisienne exotique.

Par ailleurs, le récit du quatrième volet incarne avec la plus grande intensité le cœur de la saga : « la punition implacable de ceux qui touchent à ce qui est le plus précieux. » Le marquis de Gramont, successeur de Viggo et Santino, est investi de tous les pouvoirs de l’ordre qui persécute John Wick. Mais contrairement aux anciens méchants qui ont détruit le chien — seul vestige de sa femme défunte — et la maison qui portait la même signification, lui qui cherche à éliminer le concept même de John Wick est exécuté d’une seule balle, comme Santino.

L’équipe de production avait commenté son intention de conclure John Wick avec ce quatrième film, et le récit s’achevait de manière si accomplie que j’ai cru la série terminée. Puis j’ai récemment appris qu’un cinquième volet était en production. C’est une bonne nouvelle, mais je crains qu’on ne prolonge artificiellement une histoire bien conclue au quatrième épisode.

Oppenheimer

Oppenheimer est un film politique. Pas une œuvre qui influence la politique réelle, mais elle détaille minutieusement la situation politique de l’époque, incluant le concept primitif de destruction mutuelle assurée, le début de la guerre froide et la vague du maccarthysme. À cet égard, le maccarthysme, le développement nucléaire et la guerre froide sont tous le résultat d’une propagation en chaîne à partir d’un même point — la métaphore de « réaction en chaîne sociale » généralement employée pour parler d’Oppenheimer me semble tout à fait appropriée.

Oppenheimer est aussi l’œuvre où le style d’auteur de Christopher Nolan est le plus apparent. Comme dans ses précédents films Interstellar et Dunkerque, il entremêle les lignes temporelles, mais cette fois il ajoute des variations de ratio d’écran et de couleur pour distinguer les scènes. La narration devient plus difficile à suivre, mais cela permet d’observer les multiples facettes d’Oppenheimer : jeune scientifique, militant social, amant, responsable en chef du développement d’une arme de destruction massive.

Ainsi, le film transmet Oppenheimer en tant qu’individu — un homme qui, tout en portant le titre grandiose de responsable en chef du projet de développement de l’arme nucléaire, change. Jeune scientifique et amant d’une femme, il devient un héros national pendant un bref instant après la réussite du projet Manhattan et les bombardements d’Hiroshima et Nagasaki, puis, rongé par la culpabilité, mène des activités politiques pour le désarmement et le pacifisme antiguerre. Sur sa vie prise dans une tâche historique inconfortable, le film cite deux fois par sa bouche le passage de la Bhagavad Gita qu’il avait lui-même évoqué : « Je suis devenu la Mort, le destructeur des mondes. »

Je l’ai regardé avec plaisir et en étant captivé, mais la scène d’audition qui dure près d’une heure vers la fin était assez ennuyeuse. Je reconnais qu’il s’agit d’une scène qui révèle bien l’état psychologique d’Oppenheimer blessé par l’offensive politique en tant qu’individu, et qu’elle est nécessaire pour un biopic sur Oppenheimer. Mais les chiffres précis et le jargon juridique incessants rendent difficile le maintien de la tension.

Le Garçon et le Héron

Au début, en voyant le titre du prochain film du studio Ghibli, j’étais très curieux de savoir ce qu’un maître de 82 ans avait produit en revenant sur sa retraite. Après l’avoir vu, le contenu m’a paru plus désordonné et chaotique que prévu, mais une fois la séance terminée, une certitude s’est imposée : contrairement à son titre grandiose, Le Garçon et le Héron est un film autobiographique sur les émotions et les sentiments de Miyazaki lui-même. Si Oppenheimer dépeint avec froideur les joies, colères, peines et plaisirs du personnage historique tel que Christopher Nolan l’a compris, Le Garçon et le Héron est un film où Hayao Miyazaki injecte abstraitement sa propre vie et ses conceptions dans le protagoniste Mahito.

Ainsi, Le Garçon et le Héron semble différer des œuvres Ghibli que nous connaissons, tant par son message que par son genre. Contrairement à Princesse Mononoké et Le Château ambulant, qui traitent de la critique du matérialisme et de l’écologisme, et contrairement au Voyage de Chihiro, qui traite de l’appât du gain et de la perte d’identité, Le Garçon et le Héron raconte une histoire plus abstraite : celle des embranchements d’un monde imparfait et de leur issue.

Cependant, avec ses thèmes rappelant Alice au pays des merveilles et ses évocations de l’histoire japonaise moderne après la restauration Meiji, le film exige un certain bagage de connaissances. J’ai trouvé que c’était l’œuvre Ghibli la plus hermétique et la moins accueillante. En voyant le film, j’ai compris pourquoi on dit que c’est une œuvre qui divise.

Mais en repensant à chaque élément et en les organisant, tout semble finalement converger vers un même message : trouve ta propre voie. Par exemple, le message « Celui qui m’imite meurt », qui apparaît au cours du film, semble avertir — comme si le pélican et les perruches à côté étaient le destin de tous ceux qui n’ont pas vécu ainsi — de trouver et suivre son propre chemin. Cela s’adresse sans doute aux créateurs de la génération suivante, mais le sens du message s’applique à tous ceux qui voient le film.

« Comment vivre ? » Une fois la séance terminée, les spectateurs revenus à la réalité — moi y compris — sortent de la salle recevant cette question, devant le monde qui s’effondre du grand-oncle, tout comme Mahito qui retourne à la réalité.